CAMBIOS DE PERSPECTIVA: EDUCACIÓN ARTÍSTICA,CREATIVIDAD Y ARTE INFANTIL

Recientemente leí el artículo de Julio Romero, profesor de Educación en la universidad Complutense y licenciado en Psicológica y Filosofía, además de doctor en Bellas artes. Si nombro sus titulaciones al principio es porque, además de haberme sorprendido el perfil del autor de dicho artículo, creo que es conveniente valorar la preparación del mismo a la hora de hacer una crítica sobre uno de sus trabajos.

El artículo, titulado del mismo modo que lo hace esta publicación "Cambios de perspectiva: Educación artística, creatividad y arte infantil" trata sobre los métodos usados en la educación artística actualmente.

En el podemos ver la influencia de ciertos conceptos y métodos. No por menos es uno de los coordinadores del máster en Arteterapia de la Universidad Complutense. Para quien no lo sepa, Arteterapia es un método de Psicoterapia que usa las artes plásticas como medio de recuperación del bienestar o la salud, tanto mental como física. Un método que en España quizá no esté aún lo suficientemente valorado, pero que en otros países ya es utilizado con bastante frecuencia.

De esta manera, en dicho artículo, el arte no es un concepto engrandecido que solo los grandes maestros logran alcanzar, sino mas bien un camino para educar. Por ello, Romero nos dice en este artículo que el arte como medio educativo es un fracaso ya que no lleva a ningún lado.

He de decir que si bien estoy de acuerdo con dicha premisa y ciertamente considero que las artes plásticas en el medio educativo son un absoluto fracaso, considero que del mismo modo asignaturas tan importantes como la lengua o las matemáticas son también un descalabro, ya que de por sí el sistema educativo carece de las cualidades necesarias para ser fructuoso y de valor.

Podría decirse que mi afirmación es extremista, no obstante me baso en mi propia experiencia, ya que mis conocimientos en matemáticas (por poner un ejemplo) durante la primaria fueron absolutamente escasos. Y así, no fue hasta que de adulta, mi falta de desenvoltura con los números me avergonzó tanto que estudié de forma autodidacta estos conceptos básicos. No se trataba tanto de mi desinterés, si no más bien del nerviosismo que me producía estar ante algo que me costaba tanto colocar en mi cabeza, lo cual mis profesores no supieron resolver.

Si la premisa es que el sistema educativo falla ¿Cómo no lo va a hacer la asignatura de arte? La gran desconocido de entre todas las materias, la más incomprendida y despreciada. Esa que al final, como dice Romero, no sirve para nada. Es esa asignatura en la cual, el maestro tiene tan poca preparación que tiene que buscar fichas para que los alumnos pasen las horas, esa misma en la que los niños pasan de un año a otro sin tener noción real de lo que verdaderamente esconde el concepto arte tras de sí. Es la asignatura favorita de muchos, porque es la asignatura en la que no se hace nada.

Y si durante los primeros años el desarrollo de las actitudes artísticas de los alumnos se mide en fichas, mas tarde la sociedad impone su canon de realismo sin sentido.

Yo soy ardua defensora de la pincelada. Para realismo ya tengo las fotografías (Sin que esto desacredite el trabajo y talento que conlleva una obra de dichas cualidades) No obstante, no por ello lo considero erróneo. El realismo está bien, siempre que te guste verlo o hacerlo. Existen otros métodos para expresarse por el medio pictórico y no son pocos. Por ello, considero que medir las capacidades plásticas por el acercamiento que un alumno logre hacia el realismo es quedarse muy corto, tanto en las expectativas que uno tenga hacia el arte como en la imaginación que el maestro ponga a la asignatura.

No existe, a mi parecer, una manera de pintar de manera totalmente natural, libre de influencias y pura. Desde que nacemos estamos expuestos a la influencia de nuestro entorno. Pero sí creo que el arte es un medio de expresión muy amplio y que existen maneras de hacer que este sea más natural y libre si dejamos de juzgarlo del modo que lo hacemos. La tendencia en la educación es que 2+2 son 4. No obstante, en el mundo real, como dice George Orwell en su novela 1984 "Algunas veces sí, Winston; pero otras veces son cinco. Y otras, tres. Y en ocasiones son cuatro, cinco y tres a la vez." y es que ni siquiera en matemáticas 2+2 son cuatro siempre, ya que, existe un mundo mas allá de los números primos que en el colegio o en el instituto apenas alcanzamos.

Y es que 2+2 son 4 ha sido un quebradero de cabeza para todos y no nos damos cuenta. En la educación sólo existe una respuesta válida para todo, cuando en la vida real existen múltiples caminos hacia una respuesta. Lo cual, por cierto,  me lleva de nuevo a mi fracaso en matemáticas, ya que sólo había un modo de llegar a la respuesta, si ese modo era demasiado confuso para mi, no podía alcanzar dicho resultado.

Como dice Romero, el arte tiene una cualidad maravillosa que aportar a la educación; la posibilidad de comprender la existencia de múltiples respuestas. Durante la carrera de Bellas Artes he comprendido que lo que más he aprendido es a convertir problemas en ventajas, errores en proezas y cualidades en posibilidades. Siento un gran desasosiego al ver que esto, algo a mi parecer realmente importante en el desarrollo de una persona, haya dependido de mis estudios universitarios y no de la educación obligatoria.

Restarle valor al arte en la educación es convertir una y otra vez en 2+2 es 4, en un dogma inflexible, que poco a poco va mermando las posibilidades de los alumnos que se están formando. La filosofía, la música, el arte...todas estas materias no dejan de ser versiones de nuestro mundo, visiones diferentes que nos enseñan que existen diferente interpretaciones de la realidad.  Obviamente son los puntos en común los que nos ayudan a establecer unas normas, pero si hacemos que esos puntos en común se extiendan hasta la propia formación interna del individuo estaremos creando robots y no personas.

LEANDRO ERLICH - CERTEZAS EFÍMERAS

Leandro Erlich es uno de los artistas latinoamericanos con mayor trayectoria internacional. Su trabajo ha sido expuesto en el PS1 MOMA de Nueva York o en el centro Pompiduu en París entre otros lugares.

En sus obras este artista juega con la percepción del observador creando obras realmente interesantes que rompen nuestros esquemas. En ellas, nos demuestra lo frágil que es la psique humana y lo fácil que resulta engañar a nuestra mente.

En la exposición de la fundación telefónica, podemos encontrar dos obras del autor:

CHANGING ROOMS

Esta obra nos muestra una escena tremendamente cotidiana y conocida para todos; el probador de una tienda. No obstante, al adentrarnos en éstos, nos encontramos con una escena que rompe los esquemas de nuestra mente.

No diré más, pues sería una pena si alguien desea sorprenderse tanto como lo hicimos mis acompañantes y yo.

NIDO DE LAS NUBES

Aquí podemos observar varias (siete para ser mas precisos) series de placas de vidrio que forman en el aire una serie de nubes efímeras. Estos dibujos tienen la forma de diferentes países.

FECHA: Del 23 de febrero al 23 de abril de 2017.

LUGAR: Espacio Fundación Telefónica.  DIRECCIÓN: C/ Fuencarral 3, Madrid.

HORARIO: De martes a domingo de 10:00 a 20:00 h.

PRECIO: Entrada libre.

COMO LLEGAR:  

En metro: Gran Vía (Líneas 1 y 2)  

Renfe Cercanías: Sol.

Autobuses: 1, 2, 46, 74, 146, 202, N16, N18, N19, N20, N21.

Información y página oficial: espacio@fundaciontelefonica.com

FLECHA (Una feria diferente)

Hace unos días visité la feria de FLECHA . Para los que no lo sepan, se trata de una feria de acceso gratuito, que se realiza en el centro comercial de Arturo Soria Plaza (Este año del 9 de febrero al 5 de marzo). Es la segunda feria mas vieja de Madrid (Cuenta con 26 años a su espalda) y este año contaba con 53 artistas de las distintas ramas del arte (pintura, fotografía, escultura...)

Es diferente a otras ferias, no solo porque no hay intermediarios entre el artista y el público sino porque además la idea que mueve dicho evento es la de llevar el arte a todos los públicos, ya sean compradores o visitantes, independientemente de la economía de la que dispongan. En resumen, llevar el arte a todos.

En la feria podíamos pasear por el centro comercial, y mientras lo hacíamos, observar las obras de arte expuestas en los pasillos.

Espacialmente las instalaciones estaban bien integradas y dispuestas. Existía un punto de información a disposición de los visitantes y contaban con panfletos publicitarios donde se daban a conocer a los artistas.

Dicho esto, y teniendo en cuenta siempre el precio de otras ferias como Just Mad, Art Madrid o ARCO, FLECHA a pesar de ser gratuita, no deja de ubicarse en Arturo Soria, donde el aparcamiento no es precisamente barato. Es un dato que ha llamado enormemente mi atención ya que, quizá ferias como Just Mad no sean gratuitas pero si exponen en lugares públicos donde el acceso es mas asequible y mas céntrico. Por otro lado, quizá la organización es mas humilde, pero al ser gratuita esto tiene sentido.

Este año exponían los siguientes artistas:

Cano Erhardt, Álvaro Torres, Ana Valenciano, Alberto Bañuelos, Antonio Barahona, Belén Muguiro, Borja Abos, Borja Barrajón, Candela Munioguren, Carlos Arriaga, Carola Ríos, Carolina Veramendi, César Orrico, Charlotte Adde, Daniel Comeche, Eduardo Query, Eduardo Salazar, Eduardo Vega de Seoane, El Hortelano, Enrique González, Fernando Bellver, Gilles Courbiere, Gonzalo Rodríguez, Íñigo Echenique, Íñigo Lizarraga, Isabel Muñoz, Jaelius Aguirre, Javier Arcos Pitarque, Javier de la Rosa, Javier Pagola, José Ignacio Lucía Orrite, Leticia Felgueroso, Leticia G. Marañón, Lina Cofán, Manuel Sánchez Algora ALORA, Mar Alcon, María Moldes, Menchu Uroz, Nacho Angulo, Óscar Bento, Ouka Leele, Paco Díaz, Pedro Jarque, Said Rajabi, Simon Edmonson, Verónica B. Loring, Verónica Velasco, Violeta McGuire y Yanel Sánchez.

A nivel personal, y por no hablar de los artistas mas conocidos como es habitual, destacar de entre todos ellos al escultor Javier de la Rosa, con sus inspiradoras obras, las cuales sin duda tenían el poder de trasladarnos a otros lugares.

En fotografía, de nuevo pude observar las maravillosas imágenes de Isabel Muñoz, como ya dije en la entrada de JustMAD, ganadora del Premio Nacional de Fotografía. No obstante Pedro Jarque no se quedó atrás en dicho campo, mostrándonos también unas escenas del mundo animal impresionantes.

Por último, en pintura destacaron Menchu Uroz y sus retratos femeninos, Charlotte Adde, y su original uso del pan de plata y oro como fondo para sus bellas aves o Gonzalo Rodríguez y sus peculiares paisajes, llevados a una leve abstracción resultaron muy enriquecedores de observar.

A continuación algunas de las obras mas llamativas que se expusieron:

Javier de la Rosa

Pedro Jarque

Gonzalo Rodríguez

Menchu Uroz

Charlotte Adde

Por ultimo dejo un vídeo de la propia feria (en su canal de youtube) para quien este interesado:

Enlaces:


Mas información:
-  http://ht.ly/LEw6309aGg0

La feria:
- https://flecha.es/
- https://www.facebook.com/FLECHA.ES/
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JUSTMAD8

JustMAD, junto con Art Madrid, Drawing Room Madrid y Flecha forma parte posiblemente del conjunto de ferias más importantes que rodean, como pequeños pero crecientes satélites a la gigantesca feria de ARCO.

JustMAD cumplía 8 años en esta edición la cual cerró sus puertas ayer mismo. Es más joven que Art Madrid (que va por su 12ª edición) no obstante se ha presentado como una alternativa interesante, a pesar de haber perdido algo de fuerza este año, en comparación con el anterior.

La feria tenía sede en el colegio de arquitectos de Madrid (COAM). En el interior de dicho edificio 35 galerías (7 menos que el año pasado y 8 menos que la edición de Ar Madrid de este año) nos han mostrado multitud de obras pictóricas, algunas esculturas y varías intervenciones.

No obstante, si bien se han reducido el espacio y las galerías que participan, hemos podido observar un gran número de artistas y galerías internacionales en esta edición, En total, 14 países se hicieron oír en esta ocasión: Alemania, Bélgica, Brasil, China, Colombia, Cuba, Eslovaquia, EEUU, España, Italia, Polonia, Portugal, Rusia y Venezuela.

En cuanto a mi opinión personal, qué puedo decir. Visite la feria el pasado sábado en la mejor compañía posible. Una muy querida amiga mía, con la que salir se convierte en una aventura detrás de otra.

Entre las obras pictóricas que podíamos ver durante la visita, encontrábamos algunas propuestas bastante llamativas, como lo son las obras de Rafael Jiménez (Córdoba,1989) en la galería Modus Operandi, donde el medio usado no es el óleo, ni el acrílico, sino la plastilina. Ésta, distorsionada gracias al uso de espátulas, entre otras herramientas, logra un efecto muy original en sus cuadros.

Paco Pomet (Granada 1970) cuyo uso de los colores crea un contraste absolutamente mágico entre las partes de su obra que se encuentran en blanco y negro y las que resalta en otros colores como amarillos, rojos o azules también se hizo notar, y mucho.

Posiblemente su obra "El mundo" un oleo inmenso de 200X200 fue la que mas nos llamó la atención a ambas (que al parecer tenemos gustos muy similares) de toda la feria.

Por otro lado en la galería White Noise Gallery, de origen romano, Mar Hernández (Madrid, 1984) nos presentaba sus grabados, en los que trata de mostrar el paso del tiempo dentro de las viviendas, superponiendo casas habitables con escenarios derruidos y solitarios.

En el espacio de la escultura, no podían faltar artistas del estilo de Carlos I Faura (Madrid, 1988), de nuevo en Modus Operandi, cuyas obras compuestas por piezas de metal vertebradas, se retuercen jugando con la percepción del ojo humano. Sin embargo, si he de ser honesta, este tipo de obras no me dicen demasiado.

En fotografía destacaba Isabel Muñoz (Barcelona,1954), Premio Nacional de Fotografía que nos impactó con varias instantáneas ambientadas en Etiopía.

En el ámbito de la instalación Just Tech, el apartado de la feria que recoge las obras más avanzadas a nivel técnico, nos traía obras como "Maquina de callar" del artista Arturo Moya Villen, de L&A Projects, donde tres botones rojos nos permiten hacer callar durante unos segundos el discurso que se escucha a través del altavoz. También la asociación EX contaba con "Image Don’t Cost a Thing" de Iliyana Kancheva (Bulgaria), cuya cabina de fotografías tomaba una o varias instantáneas del que se decidía a entrar en su interior. Posiblemente ésta era la obra que más curiosidad despertaba en todos los espectadores, incluidas nosotras que nos metimos varias veces, he incluso hicimos un vídeo de la experiencia.

Además, como cada año, las editoriales y publicaciones participaban en JustMAD. Esta vez eran Nórdica Libros , Chucherías del Arte, Libros el Zorro Rojo y Mincho las que estaban presentes en la feria.

Por ultimo, JustMAD nos traía por 5ª vez el festival de "Franqueados", que lleva el arte a los escaparates de Madrid durante el tiempo que dura la feria. Por otro lado, y como complemento a dicha experiencia, en las plazas más importantes que rodeaban la zona, también se exponían algunas obras en unos contenedores de metal.

En resumen, la feria no sólo contaba con las galerías, sino que además llevaba la experiencia a las calles de Madrid y se complementaba con una amplio abanico de actividades.

Obviamente es mucho mas pequeña que ARCO. No obstante es una muy buena alternativa. No sólo cuenta con una gran variedad de artistas de distintas partes del planeta, sino que los estilos son totalmente distintos unos de otros.

No considero que se trate de una feria enfocada tan solo para un público concreto y selecto. Si bien el precio de las obras escapa al bolsillo de la mayoría de visitantes, la apuesta por llevar el arte a todos los públicos se hace notar en todas sus actividades y en el festival de "Franqueados" que la propia feria organiza.

Como feria de arte no deja de tener ciertos hábitos propios de la costumbre que se da cuando uno se especializa. El abismo que de vez en cuando se abre entre la obra y el espectador o incluso entre el espacio artístico y el publico que lo visita es real, pero esto es prácticamente imposible de extinguir. Nuestra propia experiencia nos lo demostró cuando mi amiga Eva, la cual es de profesión maestra y no artista, se perdió en el hilo de algunos acontecimientos u obras que se daban en las salas donde paseábamos. Siendo yo entonces, la que comentaba algunos detalles al respecto que pudieran ayudarla.

No obstante considero que la visita es posible sin saber ciertas cosas. Igual no se disfruta de la misma manera que una persona algo más versada en el mundo del arte, pero sin duda será una experiencia grata. Además,estoy segura de que este desconocimiento del arte o de los ambientes donde este se mueve se puede suplir fácilmente visitando este tipo de eventos.


El sitio cuenta con un jardín para descansar, con algunas zonas de descanso en su interior e incluso con una cafetería donde se podía comer, o simplemente tomar algo.

Se trata de un acercamiento al arte muy interesante.

Rafael Jiménez

"El mundo" - Paco Pomet 

Ruina II” – Mar Hernández

“Magnus videri” - Carlos I. Faura

Series Omo River – Isabel Muñoz 

Image Don’t Cost a Thing” –Iliyana Kancheva 

A continuación dejo un vídeo de esta edición:

Y la web de la feria: http://justmad.es/



Referencias:

http://cultura.elpais.com/cultura/2017/02/22/actualidad/1487797745_140995.html

http://www.innovaspain.com/feria-arte-emerge-justmad8-just-tech/

La secesión del arte contemporáneo por Tomàs Llorens.

Hoy he leído el articulo que Tomàs Llorens ha publicado recientemente en el periódico "El país" titulado "La secesión del arte contemporáneo" .

Como la tarea asignada consiste en hacer una pequeña redacción sobre la impresión que el articulo nos ha provocado, procedo a ello:



La secesión del arte contemporáneo.


Llorens aborda el tema de manera inteligente, mostrándonos como ejemplo directo el caso de un amigo que ha visitado hace poco el museo de Benesse, que se encuentra en Naoshima, una isla de pescadores que hace 58 años viró de rumbo drásticamente, convirtiéndose en el suelo donde Tetsuhiko Fukutake, un empresario japones, sembraría su propia concepción de la expresión artística.

Si bien, el empresario murió, no se demoró su hijo, en tomar las riendas de dicho proyecto. Soichiro Fukutake siguió construyendo lo que a día de hoy es conocido como “el distrito cultural y educacional de la Isla de Naoshima".

Naoshima escapa de la realidad y los convencionalismos. Cuenta con su propio hotel, en el que sobre cada cama puedes observar una obra original. En sus tres salas además, se pueden contemplar obras de artistas como Jackson Pollock, Jasper Johns o Frank Stella. Por otro lado las salas no cuentan con luz eléctrica y están enterradas, para no interferir entre el hombre y la naturaleza. Es, en resumen, un singular paraíso artístico. Uno, por cierto, de tantos.

Y éste no es el problema, ni la inquietud concreta que Llorens nos quiere hacer comprender en su artículo. El problema real de este museo, como el de muchos en el mundo es sencillo: Para poder apreciar dicho espacio has de pagar una cuantiosa suma y de nuevo, el arte es para la gente con dinero.

Dejando a un lado el museo de Benesse, existen muchos otros en el mundo con estas cualidades, vetados totalmente al publico común. Ése que no desayuna caviar, ni viaja en un jet privado. He de decir, que ni habitualmente, ni en realidad, en ningún momento de sus vidas.

Diré, ya que no se menciona en la crónica del autor, que el arte pertenecía en sus orígenes a todo el mundo, ya que en las cavernas donde surgió vivían todos juntos y revueltos. No obstante, con la aparición de la técnica, dicha hazaña se convirtió en algo cercado, que dividía a las clases populares de las de mas alta alcurnia. Éstas, que solían usar el arte como símbolo de poder, más que como un medio expresivo, contaban con artistas de la talla de Velázquez para retratarse o retratar a quienes quisieran.

Así que, cuando surge la fotografía y todo el mundo puede tener un retrato por un precio decente, el arte vuelve a revolucionarse y a trasformarse a sí mismo para sobrevivir. Convirtiéndose en algo, que en realidad, es lo mismo que cuando éramos poco mas que monos; un medio de expresarse.

Por todo esto, honestamente, no creo, como dice Llorens, que se haya abierto un abismo entre clases poco a poco en el medio artístico. Por un lapsus corto de tiempo, el arte nos ha pertenecido de nuevo a todos. Sin embargo, son los mismos de siempre los que nos lo quitan de las manos con una versada facilidad, de la que han hecho exhibición en multitud de ocasiones, para robarnos no solo el arte, sino todo lo demás.

Durante este periodo de paz, por llamarlo de alguna manera, como bien afirma el artículo, obviamente se produjo un florecimiento de instituciones que fomentaban "el arte de todos" y que se han esforzado enormemente en llevar a todo el publico el arte más valorado y preciado, como son en España el museo de "El Prado", u otros a nivel internacional que se mencionan en la noticia como son "El Louvre" o " La National Gallery" de Londres. Museos que cuentan con horarios gratuitos, descuentos y ofertas, que permiten el acceso hasta a los menos adinerados.

Sin embargo, si bien uno de esos puntos de inflexión, donde el arte volvió a manos de unos pocos, pudo surgir en la década de los setenta con el pop art, no es en absoluto algo nuevo. Durante toda nuestra historia se ha tratado de un tira y afloja, donde los que contaban con más recursos y con menos escrúpulos se han apoderado de los bienes comunes.

Además, hemos de recordar que la clase media es una invención del mundo moderno, no obstante no existe en todos los países, y en los que sí lo hace, ostenta una posición no sólo difusa, sino a veces algo fraudulenta. Por lo tanto, si a la clase media le pertenece el derecho de visitar un museo decente sobre arte, es algo también nuevo e igual de difuso.

Cuando Llorens habla de que las galerías punteras no tardaron en convertir la hostilidad hacia el público que los artistas reflejaban en sus obras en una cualidad vendible, no hace más que mostrar de nuevo, esta capacidad intrínseca a aquellos que abusan del poder constantemente y desde hace ya mucho tiempo, de convertir lo de todos en algo que vendernos a unos pocos. Pues si el arte que surge del pueblo, debería en su defecto, pertenecer al pueblo, y si bien por ello también es responsabilidad de este conservarlo, esto no es ni de lejos, lo que pagamos por entrar a sitios como Benesse.

Es necesario conocer nuestro pasado, para evitar cometer los mismo errores que ya se han cometido. Pero vivimos en una sociedad que mira hacia el futuro y a pesar de que gracias a esto obtenemos muchos beneficios, también recibimos muchos perjuicios.

En resumen, estoy de acuerdo con lo que Lloren expresa en el artículo, no obstante creo que, él mismo, como historiador del arte, será conocedor de los devenires del arte, siendo así consciente, de lo mismo que yo aquí he expresado.

El arte no es distinto a todo lo demás. Del mismo modo que se nos está arrebatando el derecho a la educación pública o a la libertad de expresión en las redes, se nos trata de suprimir cualquier manifestación artística, pues ésta no deja de ser un medio por el que el ser humano se revoluciona, se trasforma, aprende y siente. Si algo nos están demostrando los de arriba, es que quieren personas grises, apáticas y autómatas que cumplan con el rol social que se les dispone, sin rechistar. Por ello, el derecho a disfrutar del producto de una expresión libre como es el arte, es algo que les pertenece a aquellos que tienen suficiente dinero para comprar dicha libertad.

Sólo cuando aprendamos a respetar nuestro pasado y comprendamos que estamos repitiendo una y otra vez los mismos errores, pero con distintos trajes, avanzaremos hacía delante adecuadamente. Quiero pensar que es entonces, cuando el arte será de todos, conservado, cuidado y producido por un conjunto social con una clara comprensión de su utilidad, ya que, si el arte surgió en las cavernas antes que conceptos como capitalismo, economía o dinero, es porque sus raíces son más básicas y necesarias para nosotros que estos conceptos mas modernos.


Tania D. Pérez.







Museo Benesse.

Presentación.

¡Bienvenidos a este blog!

Se trata de un proyecto de la asignatura de "Artista, creatividad y educación" que nos imparte este curso (2016/2017) Jaime L. Lorenzo.

¿Y de que trata el blog en cuestión? Pues en principio se trata de hacer un seguimiento de la asignatura como tal, en el hablaré sobre los artículos, exposiciones y demás tareas que se me asignaran en dicha materia. Y después, pues ya veremos que es lo que surge.

Como no es requisito extenderme mas en dicha salutación y no he podido asistir a las primeras clases por cuestiones personales no voy a extenderme mas allá de estas lineas.

Gracias por leerme. Un saludo, Tania D. Pérez